dissabte, 17 de maig del 2025

INFIEL

Amb direcció de Tomas Alfredson ("Deixa'm entrar"), "Infiel" és una minisèrie que recupera un argument -potser autobiogràfic- d'Ingmar Bergman, que Liv Ullmann, musa i exparella del mestre suec, ja havia portat al cinema el 2000. 

Com el títol anuncia, narra una infidelitat matrimonial que enfronta un director de cinema, el seu millor amic, músic, l'esposa del segon, actriu, i també la filla de la parella, Isabelle, una adolescent que té en un pedestal el realitzador disposat a dinamitar una aparentment idíl·lica vida familiar. 

De sis capítols de durada, li costa arrencar, tot i que això és conseqüent amb els dubtes de l'actriu i el director. El fet d'estar narrada en flash-back, des d'un present en què els protagonistes són vells, tampoc no ajuda, tot i que comprenc la lògica argumental; en qualsevol cas, quan, al tercer episodi, tornem als anys setanta i al rodatge d'una pel·lícula eròtica en què David Howard dirigeix Marianne Vogler, el voltatge augmenta exponencialment, i Alfredson es mostra hàbil recreant un estil de cinema pretèrit. I els darrers dos capítols són magnífics. 

Els protagonistes masculins resulten un pèl apàtics, la qual cosa es veu compensada per l'entrega de la bellíssima Frida Gustavsson en el paper de la Marianne jove (és o no és motiu suficient per trair el teu millor amic?). Com sigui, "Infiel" demostra el profund coneixement que Bergman tenia de les nostres passions i dels nostres defectes, o, si més no, dels seus, més o menys execrables, en un relat que sembla talment una confessió.

dijous, 15 de maig del 2025

DAAAAAALÍ!

Anaïs Demoustier i Gilles Lellouche, que protagonitzaven "Fumar provoca tos", reapareixen a "Daaaaaalí!" (2023), també dirigida per l'inefable Quentin Dupieux. Fan, respectivament, d'una jove farmacèutica reconvertida en periodista i de Salvador Dalí, a qui ella vol fer una entrevista i topa amb tota mena de dificultats. Cal aclarir, en qualsevol cas, que fins a cinc actors diferents fan el paper del pintor empordanès, indistintament jove i vell, i aquest només és un dels molts jocs surrealistes que el realitzador es permet en un film que, revisant amb humor la figura del controvertit artista, acaba recordant-nos Buñuel, també surrealista, també aficionat a presentar situacions absurdes i realitats ocultes rere somnis dintre d'altres somnis.

dimarts, 13 de maig del 2025

REFLEJOS EN UN OJO DORADO

El 1967, John Huston adaptava la novel·la de Carson McCullers a "Reflejos en un ojo dorado". 

L'acció ens situa en un campament militar endogàmic del Sud dels Estats Units. El comandant Wendel Penderton (Marlon Brando) no és el més hàbil muntant els cavalls que hi ha al campament; una dificultat que serveix com a metàfora de la seva incapacitat per satisfer una esposa molt eixerida (Elisabeth Taylor), qui prefereix la companyia d'un altre oficial (Brian Keith), casat al seu torn amb una dona traumatitzada (Julie Harris). El comandant no sap com afrontar una situació poc compatible amb el masclisme regnant i el lideratge que procura ensenyar en les seves classes sobre tàctiques militars. En el fons, qui l'atreu és un soldat misteriós (debut cinematogràfic de Robert Forster), que munta despullat i que té cura del cavall preferit de la dona del comandant i que també la vetlla a ella mentre dorm profundament sota els efectes de l'alcohol. 

Aquest drama sobre l'estament militar i els prejudicis, amb connotacions homoeròtiques, el serveix Huston amb admirable contenció, ajudat per les magnífiques interpretacions i per una fotografia de tons daurats, molt escaient, a càrrec de l'italià Aldo Tonti.

diumenge, 11 de maig del 2025

LA CANCIÓN

"La canción" (o caldria dir "La la la canción"?) és una minisèrie (només tres capítols), dirigida per Alejandro Marín, que, a través d'un personatge fictici interpretat per Patrick Criado, revela molts detalls del procés que va conduir a la victòria d'Espanya a Eurovisió, l'any 1968. 

Ens situa hàbilment en una època crucial de la nostra història, recorrent en diversos moments a la pantalla dividida, omplint la banda sonora de hits nacionals i internacionals, per arribar al moment àlgid en què Carolina Yuste fa de Massiel i canta el La-la-la, després de la plantada de Joan Manuel Serrat, que volia fer-ho en català per treure's del damunt l'etiqueta de botifler (ja veieu de què li ha servit). O era una qüestió de compromís? Perquè d'això parla també la sèrie: dels compromisos que cal tenir amb un mateix, de les renúncies que calen per poder avançar. 

Si no us he convençut, ho repetiré: surt Carolina Yuste.

divendres, 9 de maig del 2025

EL ETERNAUTA

És curiós que, atesa la meva afició al còmic, encara no m'hagués atrevit amb l'obra de Francisco Solano López y Héctor Germán Oesterheld, considerada la millor novel·la gràfica mai publicada a l'Argentina (inicialment, serialitzada, entre el 1957 i el 1959). 

La tinc disponible a la biblioteca del meu poble, l'he fullejada, però sempre he deixat la seva lectura per a més endavant, tot i que, en el fons, la considerava inexcusable. 

Com sigui, m'ha complagut poder gaudir de la sèrie de Netflix, que l'adapta, sense conèixer-ne prèviament la trama. Pel que sabem, el treball de Bruno Stagnaro és bastant fidel a l'original, tot i que els sis capítols només abasten la meitat del còmic (no passa res, ja s'anuncia la segona temporada). Trasllada l'acció a l'actualitat i conserva el missatge contra els totalitarismes que li va costar al guionista, Oesterheld, desaparèixer a mans dels militars colpistes el 1978. La infàmia de la Guerra de les Malvines, absent de la novel·la gràfica per raons òbvies, s'incorpora a la narració de forma natural i coherent. 

Però, de què va "El eternauta"? Doncs no vull revelar gran cosa perquè el misteri que aconsegueix mantenir fins al darrer minut del darrer episodi constitueix un dels seus principals atractius. Em limitaré a assenyalar que es tracta d'una història de ciència-ficció apocalíptica que comença amb una gran apagada (quina casualitat!) i continua amb una nevada, gens habitual a Buenos Aires i que, a més, mata instantàniament tothom qui entra en contacte amb els flocs que no paren de caure. 

Les imatges de la ciutat coberta de neu, núvols i cadàvers resulten impactants, però no s'imposen a l'element humà de la narració. A diferència de moltes sèries apocalíptiques que tenen poc a explicar més enllà del primer episodi, aquí anem trobant situacions i també personatges que s'allunyen subtilment dels arquetips nord-americans. Els protagonistes ens resulten propers, fins i tot quan es comporten com herois; i l'elenc és magnífic, comandant per Ricardo Darín, actor imprescindible que, tot i que no s'assembla físicament al Juan Salvo del còmic, reprodueix amb la mirada tota la seva por però també la determinació.

diumenge, 4 de maig del 2025

LLAMAD A CUALQUIER PUERTA

Si a "Los amantes de la noche" teníem un jove que és, en el fons, molt bona persona, però s'ha vist arrossegat al delicte per les circumstàncies, a "Llamad a cualquier puerta", dirigida per Nicholas Ray immediatament després, el 1949, un plantejament similar esdevé un estudi sociològic en tota regla, i un missatge radicalment progressista posat en boca de l'advocat que interpreta Humphrey Bogart en els minuts finals (absolutament sorprenents) d'un thriller judicial que és només una excusa per mostrar l'evolució cap a la delinqüència d'un jove immigrant sense sort. 

El film també inclou una història d'amor tràgica amb una noia abnegada i, en la presentació del jove protagonista, alguna similitud amb la posterior "Rebelde sin causa": Nick Romano es ficarà per primera vegada en embolics per no semblar un covard davant els nois del barri marginal on ha anat a viure la seva família després de la mort del pare, injustament, a la presó. 

"Llamad a cualquier puerta" va servir per presentar un actor molt guapo però no especialment dúctil, en John Derek, més famós quan ja era granadet per ser marit i mentor de la Bo. A la pel·lícula, diu allò de "viu de pressa, mor jove i deixa un cadàver bonic", frase que, curiosament (i erròniament), hom atribueix a James Dean.

dissabte, 3 de maig del 2025

LA ACOMPAÑANTE

La relació entre humans i robots és un tema recurrent en la ciència-ficció. "La acompañante" (Drew Hancock, 2025) no aporta grans novetats en comparació amb títols de més nivell com "Her" o "Ex_Machina"; potser, però, un altre punt de vista, més mordaç, i, sobretot, força diversió gràcies a un guió abundant en girs (recomanem no veure un tràiler que els mostra quasi tots). A més, ens permetrà gaudir de la presència estimulant de Sophie Thatcher (la germana Barnes a "Heretic"), sol·lícita acompanyant de Jack Quaid (fill de Dennis Quaid i Meg Ryan, ves per on).

dijous, 1 de maig del 2025

LOS AMANTES DE LA NOCHE

Primer llargmetratge dirigit per Nicholas Ray, el 1948, "Los amantes de la noche" fou ja un títol molt característic del seu autor, un thriller de sèrie B que és, en realitat, una història d'amor tràgica entre dos joves que no saben res de la vida, o només la part dolenta: ell ha fugit de la presó on ha estat des dels setze anys; ella s'està en una gasolinera en companyia d'un pare alcohòlic. 

La impossibilitat de deixar enrere la vida criminal a causa d'una fidelitat mal entesa cap als dos companys de malifetes empenyen el protagonista (Farley Granger) a fugir amb la noia (una dolça Cathy O'Donnell). Una fugida cap a enlloc, precedent de títols molt posteriors com "Bonnie & Clyde" o "Malas tierras", que conté moments excepcionalment romàntics, com la magnífica seqüència del casament. 

L'ombra allargada de Nicholas Ray:

dimecres, 30 d’abril del 2025

EL HOMBRE DEL BRAZO DE ORO

"El hombre del brazo de oro", dirigida per Otto Preminger el 1955, és, probablement, la primera pel·lícula que aborda l'addicció a l'heroïna. Tot i que el malnom del protagonista també es pot relacionar amb la seva habilitat amb les cartes. Ell el que vol és ser músic, però les males companyies en fan recaure en la droga, que ha pogut deixar durant el temps que ha passat a la presó. La filmació en decorats contribueix a la sensació de cercle viciós, de no poder escapar d'un entorn més aviat miserable. 

Frank Sinatra defensa molt bé un paper difícil, i ens fa patir quan agafa fred a causa de la síndrome d'abstinència. Tot i que té la Kim Novak per escalfar-se, no tot han de ser males notícies.

dimarts, 29 d’abril del 2025

EL BAÑO DEL DIABLO

"El baño del diablo", dirigida (i escrita) el 2024 per Severin Fiala i Veronika Franz, flamant guanyadora del darrer Festival de Sitges, ha estat comparada amb "La bruja", de Robert Eggers, i catalogada com una nova mostra de folk-horror. En realitat, però, la ubicació genèrica s'explica més aviat pel to ombrívol, més alguna seqüència onírica, més un festival de sang en l'escena culminant, però també podem dir que es tracta d'un drama -això sí, terrorífic- basat en fets reals, que mostra la difícil situació de les dones de pagès a l'Àustria del segle XVIII i les conseqüències lamentables de determinats postulats de la religió catòlica. En definitiva, la protagonista no és una bruixa sinó una ferventa creient, que té un marit massa inexpert i una sogra massa tafanera.

dissabte, 26 d’abril del 2025

PASIÓN SIN BARRERAS

Les històries d'amor que trobem en la literatura i el cinema, per regla general, il·lustren una passió amenaçada per un conflicte. 

Les diferències d'educació i classe social constitueixen un dels problemes més comuns. A la vida real, pot ser un obstacle gairebé insalvable, condicionats com estem pels nostres prejudicis; els protagonistes de "Pasión sin barreras" (Luis Mandoki, 1990), un jove circumspecte, jueu de classe alta, i una dona madura que despatxa hamburgueses, ambdós amb motius per estar deprimits, s'enfrontaran a les barreres a què el títol espanyol fa referència. 

La pel·lícula, a priori escassament original, enganxa per l'habilitat d'un guió que signa Ted Tally ("El silencio de los corderos"), que resol les situacions sense por del ridícul, i precisament per això les fa creïbles. D'altra banda, James Spader i Susan Sarandon són els intèrprets ideals, i ella -això no és cap novetat- és una força de la naturalesa. Com evitar enamorar-se'n?

divendres, 25 d’abril del 2025

LA CITA

"La cita" (Christopher Landon, 2025) podria ser un episodi de "First Dates" filmat per Shyamalan. Bromes a part, es tracta d'un thriller de suspens en temps real que il·lustra sobre els perills de tenir el mòbil connectat en una primera cita, en un restaurant una mica més sofisticat que el de Cal Sobera. La trama és més aviat inversemblant, però Landon ("Feliz día de tu muerte") la sap vendre bé; potser no és Hitchcock, però controla els enquadraments i el muntatge i obté un ritme molt àgil (tot i l'inconvenient de l'escenari quasi únic) i una notable composició de Meghann Fahy en el seu primer paper com a protagonista.

dimarts, 22 d’abril del 2025

ANIMA'T # 3 (x 3)

Fa quinze anys vam encetar al bloc una sèrie amb el títol genèric d'"anima't", que pretenia, a través d'un joc de paraules -ho reconec- molt elemental, alleugerir un estat d'ànim presumptament desfavorable a causa de la molt recent crisi econòmica, incorporant treballs d'animació (també, doncs, per donar entrada al gènere). 

Va durar més aviat poc. No pas la crisi sinó la sèrie, potser perquè els de Disney no perdonen els drets d'autor (només en un dels dos posts perviu el contingut). 

Això no implica que no hàgim comentat altres produccions animades; i ara en tenia tres en reserva, totes de culte. De manera que, si em permeteu, recuperaré el títol a tall d'excusa. D'altra banda, l'ordre mundial no convida precisament a l'optimisme, o sigui que potser ens convé animar-nos; tot i que ja aviso que els treballs que passarem a comentar no són gaire alegres. 

AKIRA (Katsuhiro Otomo, 1988)
Adaptació del manga homònim, títol emblemàtic del subgènere ciberpunk i obra cabdal de l'anime, "Akira" ens condueix a Neo-Tokyo, trenta-un anys després de la destrucció de la ciutat (*). Bandes juvenils recorren les avingudes i s'enfronten als rivals com en els torneigs de l'Edat Mitjana, canviant els cavalls per motos superpotents; en una d'aquestes, es veuran involucrats en un experiment que l'Exèrcit pretén controlar però que és incontrolable i pot despertar una força capaç de tornar a trinxar-ho tot.

Ciència-ficció i violència hiperbòlica en una trama una mica difícil de seguir, potser perquè la cinètica que defineix el film (i tot l'anime sorgit al seu redós) no ofereix gaire respir. 

(*) L'acció se situa, doncs, el 2019, mateix any en què transcorria "Blade Runner", i no sé si és una casualitat, ja que el Neo-Tokyo d'"Akira" recorda bastant la ciutat de Los Angeles al film de Scott. La crítica també ha trobat reminiscències de "2001", atesa la transformació de Tetsuo en pura energia (o més o menys). 

PERFECT BLUE (Satoshi Kon, 1997)
Un altre anime de culte, centrat en aquest cas en una jove cantant que, quan decideix, aconsellada pels seus agents, fer d'actriu en una sèrie de televisió, comença a patir una distorsió de la realitat i a presenciar com una presumpta doble viu una segona vida a Internet i encara té temps per cometre uns quants assassinats. 

"Perfect Blue" presenta un ritme brillant i -com també passava a "Akira"- excel·leix en les escenes oníriques. Aconsegueix desorientar l'espectador, però d'això es tracta. S'ha dit que va servir d'inspiració per al "Cisne negro" d'Aronofsky; pot ser veritat o no, però el cas és que els referents són gairebé els mateixos: Hitchcock, De Palma, Argento. Tot mixturat, però, amb la predilecció molt japonesa per l'erotisme adolescent. 

IT'S SUCH A BEAUTIFUL DAY (Don Hertzfeldt, 2012)
Canviem de continent però no de to. El film de Hertzfeldt, compendi dels tres curts coneguts com "la trilogia de Bill" ("Everything Will Be OK" -2006-, "I Am So Proud of You" -2008-, "It's Such a Beautiful Day" -2011-), parteix d'una animació molt més bàsica (els personatges són amb prou feines gargots), però, tanmateix, molt experimental, per aprofundir en la ment torturada del protagonista, el qual, no sabem si a causa d'una malaltia, una herència genètica preocupant, un seguit de traumes, o tot plegat, es troba perdut enmig d'una realitat que li resulta incomprensible. A pesar de la dificultat intrínseca de l'invent, aquesta joia inclassificable aconsegueix en tot moment transmetre les emocions i l'angoixa del pobre Bill, al llarg d'una vida que potser només és un instant. 

dilluns, 21 d’abril del 2025

TENEBRAE

Després d'una incursió en el fantàstic amb "Inferno" (1980), Dario Argento recupera el giallo més convencional a "Tenebrae" (1982). 

Compta novament amb algunes estrelles periclitades (dels americans Tony Franciosa i John Saxon a l'italià Giuliano Gemma), els ajunta amb la musa Daria Nicolodi i unes quantes noies de bon veure, i basteix una trama policíaca en què els assassinats estan relacionats amb una novel·la negra escrita pel protagonista (Franciosa), qui ha viatjat de Nova York (atenció a la patètica escena inicial) a Roma per promocionar-la (diuen que Argento es va inspirar en l'assetjament telefònic d'un fan). 

Un parell de moviments de càmera i una mica d'arquitectura brutalista constitueixen les senyes d'identitat del director en un treball poc memorable excepte perquè deu ser el que compta amb més litres de sang vessada de tota la seva filmografia.

diumenge, 20 d’abril del 2025

CUANDO CAE EL OTOÑO

A "Cuando cae el otoño" (2024), François Ozon recupera el pols dels seus millors treballs amb una història que comença amb un sermó, a l'església del poblet on transcorre la major part de l'acció, sobre Jesús i Maria Magdalena. O sigui, sobre la conveniència de lluitar contra els prejudicis, un assumpte obsessiu en gairebé tota la seva filmografia. I la trama que ve a continuació, amb una protagonista que afronta la tardor de la seva vida (el títol i el paisatge arrodoneixen la metàfora) amb plàcida languidesa, s'embolica ben aviat per acabar mostrant com, de vegades, es pot fer el mal volent fer el bé. Però el que compta són les intencions, oi?

dijous, 17 d’abril del 2025

LIZZIE

Dirigida el 2018 per Craig William Macneill, "Lizzie" elabora una hipòtesi força plausible sobre un crim no resolt que va convulsionar la conservadora ciutat de Nova Anglaterra a finals del segle XIX. 

Chloë Sevigny és Lizzie, la filla d'Andrew Borden -ell i la madrastra assassinats amb una destral-, i Kristen Stewart la minyona, amiga i amant de la protagonista. Sense ànim de fer espòilers, direm que la relació entre ambdues és com una rebel·lió davant d'un entorn classista, masclista i repressiu. 

Un film indie resolt amb correcció i molt ben interpretat per dues actrius que es troben molt còmodes en els seus papers. La seva nuesa en una escena clau és una hàbil metàfora requerida pel guió.

diumenge, 13 d’abril del 2025

THE BIGAMIST

Ida Lupino, estrella amb inquietuds intel·lectuals i fortes conviccions, va dirigir, sota el segell independent creat per ella i el productor Collier Young, diverses pel·lícules, entre les quals la sorprenent "The Bigamist" (El bígam), del 1953. 

En Harry i l'Eve (Edmond O'Brien i Joan Fontaine) inicien un procés per adoptar un fill. En la primera escena, es reuneixen amb l'encarregat de despatxar l'assumpte (Edmund Gwenn, un altre rostre popular), qui els adverteix d'una investigació sobre els aspirants. Atès el títol de la pel·lícula i la cara de circumstàncies que posa el marit, qui, a més, fa de venedor i passa molt temps fora de casa, ens hauríem pogut estalviar la primera mitja hora, quan el funcionari es dedica a fer preguntes i viatjar a Los Angeles per descobrir allò que l'espectador ja sap: que l'home té una altra família (amb nen inclòs). 

De manera que, tot i que Lupino estructura el melodrama quasi com si fos un thriller, la part més interessant comença quan el bígam intenta justificar la seva situació (a través d'un llarg flash-back); un desenllaç en què la defensa en el judici argumenta que la voluntat de legalitzar una situació irregular ha conduït a un delicte que, paradoxalment, no existiria si el culpable s'hagués limitat a tenir una amant, i en què per fi es veuen les cares els tres implicats i les seves mirades tenen més de comprensió que de retret, arrodoneix un treball més complex del que podria semblar a primera vista, que ens parla de solituds dintre i fora del matrimoni i de dones que intenten superar el trauma de no poder exercir de mares i esposes (l'Eve s'ha reinventat com a sòcia del seu marit). 

Lupino fa el paper de la segona dona. El productor i també guionista Collier Young va estar casat amb ella primer i amb Joan Fontaine després, qüestió que no va afectar la seva relació professional. Tota una declaració de principis.

dijous, 10 d’abril del 2025

ASTEROID CITY

"Asteroid City" (Wes Anderson, 2023) és una proposta més aviat marciana, i no ho diem perquè aparegui un alienígena. 

El realitzador ofereix un nou passeig per iconografies familiars i, alhora, inventades, en aquest cas un petit poble en un desert dels Estats Units on va caure un meteorit i es duen a terme proves atòmiques (som a l'any 1955). Un repartiment coral amb més estrelles que al firmament interpreta els personatges ja habituals en el cinema d'Anderson, des d'un narrador omniscient (Bryan Cranston) fins als joves excèntrics que presenten treballs per a un concurs escolar sobre fenòmens astronòmics, i no tan joves però igualment excèntrics que obtenen fotografies de marcians i d'estrelles de Hollywood despullades, passant per l'autor (Edward Norton) i el director (Adrien Brody) de l'obra de teatre que aparenta ser tot plegat, qüestió que permet novament un joc de caixes xineses, alternança entre blanc i negre i colors primaris, imatge real i animació. En fi, tot allò que vaig dir sobre "La crónica francesa" (2021) també val per a aquesta nova filigrana, fascinant, esgotadora.

dimarts, 8 d’abril del 2025

LOS APUROS DE UN PEQUEÑO TREN

"Los apuros de un pequeño tren", dirigida per Charles Crichton el 1953, participa de les virtuts característiques de la Ealing britànica: el caràcter coral, un entorn idíl·lic en què el temps sembla haver-se detingut, la capacitat de dibuixar personatges amb breus pinzellades (o reflectir emocions amb hàbils recursos narratius, com quan un d'ells, pesarós, fa rodar els vasos a la barra del pub). I, tot i el caràcter amable i sense pretensions del film, il·lustra, una vegada més, la resistència de la gent senzilla -els vilatans decidits a conservar el vell ferrocarril- davant la burocràcia i el progrés -representat per l'empresa local d'autocars-.

diumenge, 6 d’abril del 2025

THE DOORS

A "The Doors" (Oliver Stone, 1991), Val Kilmer es posava en la pell de Jim Morrison, líder de la banda, aprofitant una gran semblança física amb el malaurat cantant i compositor (o, més aviat, lletrista). 

Com sabem, Stone ha dedicat la major part de la seva carrera a disseccionar els traumes del seu país, de l'assassinat de Kennedy a la guerra de Vietnam. La llegenda de Morrison i la seva banda li servia d'excusa per parlar dels anys de la contracultura hippie; al mateix temps, la pel·lícula preludiava el salt d'un estil més aviat clàssic als muntatges alambinats i excessos de posada en escena que eclosionen a "JFK", també estrenada el 1991, i esclaten sense control a "Asesinos natos" (1994). També l'argument de "The Doors" és la crònica d'un excés, d'uns anys salvatges que la caiguda de Morrison en l'alcohol i altres addiccions, del sexe desenfrenat als al·lucinògens, representa a la perfecció; i la seva fugida a París i mort prematura vindria a representar el final del somni d'una joventut americana que volia canviar moltes coses fins que es va estavellar contra la realitat. 

El problema de "The Doors" és que no està a l'altura de les seves ambicions. El film, beneficiat d'un gran treball de l'excel·lent operador Robert Richardson i d'una banda sonora que ret el tribut que mereixen les cançons -les de The Doors, però també les d'altres icones de l'època, com la Velvet Underground-, no transcendeix la il·lustració de fets prou documentats (les baralles de Morrison amb les seves dones, les amistats perilloses, els concerts catastròfics), i la reiteració de la figura del xaman, que Stone relaciona amb el trauma patit pel cantant quan era un nen i va presenciar l'atropellament d'uns indis, tot i que es basa en les afirmacions de l'autodestructiu Jim Morrison, acaba resultant una simplificació buida de significat, potser una nova mentida d'una estrella del rock que mentia a les entrevistes i que, tal vegada, senzillament, no va saber pair la fama sobtada arran de l'èxit de Light My Fire.

  

dissabte, 29 de març del 2025

HOMES EN GUERRA

A la Segona Guerra Mundial, els nord-americans van salvar el cul als europeus. Des de llavors, han estat una mena de germà gran, no necessàriament simpàtic, que ha tutelat la nostra vocació pacifista i democràtica, el braç armat de la vella civilització occidental. 

La colla d'imbècils que ara manen a la Casa Blanca, potser conscients de la decadència dels Estats Units com a potència mundial, han decidit (o han fet explícita una idea subjacent) que som unes paparres insignificants, un actor sense diàleg en el nou teatre d'operacions on manen la Xina, Rússia i autocràcies de tota índole aplaudides per una població sense ideals, i que, si volem defensar-nos d'unes teòriques amenaces, hem de pagar per tenir tancs i aquelles coses que calen per fer la guerra, inclosos els soldats.

També cinematogràficament, els americans han tingut l'hegemonia del cinema bèl·lic, des de la Segona Guerra Mundial, tot i que potser no tant després de la vergonyosa derrota a Vietnam. 

Si comparem dos clàssics del gènere com són "Fuego en la nieve" (William A. Wellman, 1949) i "La colina de los diablos de acero" (Anthony Mann, 1957), trobarem moltes concomitàncies, però també algunes diferències interessants. 

Les dues aborden el conflicte armat des del punt de vista del soldat d'infanteria. En ambdues, els escamots es troben isolats, rodejats per un enemic invisible, i han d'enfrontar el perill dels seus atacs, però també altres problemes: manca de munició, manca de menjar, fred o calor, cansament... S'imposa una vocació realista, sobretot en el primer dels dos títols, que narra, des del punt de vista necessàriament limitat dels seus protagonistes, el setge de Bastogne durant l'anomenada Batalla de les Ardenes, l'últim hivern de la Segona Guerra Mundial; resulta significatiu que els personatges no sàpiguen del cert si són a Bèlgica (on eren) o a Luxemburg, o que un d'ells, periodista de professió, s'indigni perquè, tot i trobar-se a primera línia, s'ha d'assabentar de la situació pels diaris que els arriben per correu. "Fuego en la nieve" aporta molts detalls sobre les penalitats viscudes pels homes de la 101a Divisió Aerotransportada, per exemple la conveniència de revisar els fusells, que podien fallar si es congelava el pany, o els problemes amb el calçat; el seu comportament heroic, clau en el fracàs de la iniciativa dels alemanys, que comptaven amb una aclaparadora superioritat numèrica, es confon amb la solidaritat entre els homes de l'escamot; rendir-se no és una opció, però el film no oculta la por que senten en determinats moments, ni el fet que algunes accions individuals contra l'enemic s'iniciïn sense que tinguin clar si volen atacar o fugir, o senzillament per imitar allò que fa el company. 

Com dèiem, l'heroica resistència dels homes assetjats a Bastogne va ser decisiva per a la victòria aliada, però el film no amaga la importància en el conflicte de la seva superioritat aèria: sense el mal temps i la manca de visibilitat (circumstància que Wellman i Paul Vogel, el seu oscaritzat director de fotografia, exploren molt hàbilment), els avions haurien estalviat molts maldecaps als soldats americans. 

Tot i que la guerra ja havia acabat i la voluntat realista de "Fuego en la nieve", la pel·lícula procura destacar que els soldats conserven l'ànim i el sentit de l'humor en les pitjors circumstàncies. En l'inici del film, estan molt tranquils pensant en el cap de setmana a París; la cosa es complica arran de la contraofensiva alemanya, però això no els impedirà jugar a beisbol amb pilotes de neu o picar l'ullet a les franceses que volten per allà. Fins i tot, el soldat que acaba de ser llicenciat, però no pot fugir del front a causa del setge, diu que denunciarà per crims de guerra els alemanys que disparin contra ell, ja que és un civil. 

"La colina de los diablos de acero" (el títol original és, significativament, "Men in War") ens porta al conflicte de Corea.

Aquí, els soldats americans no són, ni de lluny, tan optimistes, i el conflicte esdevé més abstracte. Si l'inici de "Fuego en la nieve" els mostrava cantant i desfilant al campament, el film de Mann comença quan ja estan rodejats per l'enemic, tot i que no ho saben i que no el veuen. L'escamot capitanejat per Robert Ryan (a diferència del Van Johnson de "Fuego en la nieve", el tinent de "La colina de los diablos de acero" no riu mai) ensopega amb un Jeep conduït per un sergent no gaire amable que transporta un superior, un coronel incapaç de parlar i de moure's a causa de la fatiga de combat. Cap al final, la solidaritat entre els soldats s'imposarà sobre les seves diferències i els actes heroics sobre el terror que ha acompanyat la seva penosa caminada cap a un turó controlat pels coreans (excel·lent, la seqüència en què s'adonen de la presència de mines); però no hi haurà desfilades ni cançons, i les medalles al valor caldrà escampar-les sobre els cadàvers de gairebé tots els membres de l'escamot. "La colina de los diablos de acero" no parla de la lluita contra el feixisme sinó de la cruesa de la guerra. En els vuit anys que han transcorregut entre un film i altre, de la lloa dels fets heroics hem passat al discurs antibel·licista, encara no gaire obvi, però molt revelador de la tendència que s'imposarà en el gènere (però en els films més modestos, no en les epopeies sobre grans batalles que cercarien l'espectacle fàcil en les dècades dels seixanta i primers setanta).

divendres, 28 de març del 2025

A DIFFERENT MAN

"A Different Man" (Aaron Schimberg, 2024) reuneix Sebastian Stan, a qui vam descobrir no fa gaire en el paper de Donald Trump a "The Apprentice", amb Adam Pearson, el britànic que deu ser l'únic actor del món afectat de neurofibromatosi (ja havia treballat amb Schimberg, i el vam poder veure a "Under the Skin"), per oferir una faula sobre els prejudicis al voltant de l'atractiu físic, que podria semblar la versió masculina i inversa de "La sustancia", però que també ens ha portat a la memòria "El doble", film del 2016 (comentat al bloc) dirigit per Richard Ayoade i protagonitzat per Jesse Eisenberg sobre un relat de Dostoievski, que exemplificava la dificultat de ser algú diferent d'un mateix (atenció al joc de paraules del títol). 

És una proposta simpàtica i original que aposta per la comèdia negra amb (com "La sustancia") unes gotes de ciència-ficció i gore. Cap al final, esdevé un pèl redundant i incòmoda, però això pot formar part del joc amb l'espectador, que acaba enyorant el rostre deformat.

divendres, 21 de març del 2025

ADOLESCENCIA

Parlàvem fa uns dies de sèries europees i em trobo ara, a Netflix, la que ja s'anuncia com el gran èxit de la temporada, una minisèrie anglesa filmada en quatre plans-seqüència, un per capítol, d'execució espectacular (amb l'ajuda de drons) i temàtica duríssima (gira al voltant d'un cas criminal entre estudiants de secundària). 

"Adolescencia", dirigida per Philip Barantini, escrita i interpretada per Stephen Graham (que demostra un talent enorme a tots els nivells), sorprèn pel seu realisme i minuciositat; no ofereix gaires respostes al greu cas analitzat (fictici però clarament inspirat en altres successos que han trasbalsat la societat britànica), però obre les portes a un debat intens sobre l'educació dels nostres fills, els perills d'Internet, l'origen del mal, els prejudicis, la decadència de la societat contemporània. Em deixo alguna cosa? Absolutament recomanable.

dimecres, 19 de març del 2025

TARÁNTULA

El director d'"El increíble hombre menguante" (1957) va signar en la dècada dels cinquanta uns quants clàssics de la ciència-ficció i el terror de sèrie B. En el seu film més conegut, el protagonista s'havia d'enfrontar a una aranya que apareixia enorme perquè ell era molt petit. Però ja un parell d'anys abans, en un film titulat prou explícitament "Tarántula", era l'aràcnid que creixia desmesuradament, també a conseqüència d'experiments relacionats amb l'energia atòmica, tot i que la intenció última del mad doctor interpretat per Leo G. Carroll era, ni més ni menys, que acabar amb la fam al món, ja que preveia que la població mundial augmentaria a un ritme de 25 milions de persones l'any (de fet, l'increment ha estat quatre vegades superior).

diumenge, 16 de març del 2025

MARCO

El cas d'Enric Marco és, sens dubte, peculiar, sobretot per la seva dimensió històrica. Però de personatges fatxendes n'està el món ple, i de gent que rep honors immerescuts només per la seva capacitat de fer-se escoltar, també. 

Dit això, "Marco", dirigida el 2024 per Aitor Arregi i Jon Garaño, no és un treball especialment brillant, però competent en la seva descripció del desemmascarament del protagonista. Com sigui, Eduard Fernández ofereix un treball extraordinari, transmutant-se i humanitzant tan incòmode individu.

dissabte, 15 de març del 2025

SÈRIES EUROPEES

Entre la nombrosa oferta de sèries i minisèries a les plataformes, trobem algunes singularitats. De sèries europees n'hi ha de qualitats molt diverses, i no ens detindrem en les produccions abominables que adornen les tardes de les televisions públiques. 

N'hem trobat un parell que ens han semblat interessants, la primera a Filmin, la segona a Netflix:
"Secrets" (Kaspar Munk, 2024) és una minisèrie danesa que parla de la relació entre dos germans que arrosseguen un trauma a causa de l'alcoholisme del pare, un famós arquitecte: ella ha continuat el seu llegat i sembla que la vida li somriu, però les aparences oculten una realitat més ombrívola; el germà és un músic clarament immadur, enganxat a la festa i a les drogues (cocaïna i alcohol, bàsicament). 

La mirada sobre les seves vides i, per extensió, sobre una societat infeliç, és profundament pessimista. "Secrets" és, en aquest sentit, molt nòrdica i una mica bergmaniana, l'altra cara de les sitcom.
"Cassandra" (Benjamin Gutsche, 2025) és una minisèrie alemanya de terror i ciència-ficció. Comença com quasi totes les pel·lícules fantàstiques modernes: després d'un breu pròleg que ens prepara per al pitjor, plans aeris mostren un cotxe que avança per una carretera rodejada de bosc; una família es dirigeix a una casa enmig del no-res per oblidar una tragèdia familiar. El tret distintiu és que no es tracta d'un casalot gòtic sinó d'un esvelt habitatge que, a més, resulta intel·ligent. Més peculiaritats: el sistema informàtic que tot ho controla és de l'any de la picor i pren la forma d'una agradable senyora que parla des dels monitors que hi ha per tota la casa i que dota de fesomia un robot que fa el menjar i atén les necessitats quotidianes, a més de mostrar-se molt empàtic amb els petits de la casa (amb els adults, no tant). 

Com també és procedent en aquests títols sobre cases maleïdes, se'ns mostrarà l'origen del mal, que radica -per descomptat- en els anteriors propietaris. Hi ha l'escena obligada de la mare investigant a l'hemeroteca de la biblioteca del poble, però la sorpresa no es limitarà a un breu afegit al final sinó que, ben aviat, la història de la família moderna s'alternarà amb la més interessant (i tràgica; i cruel) de la gent que va fabricar el robot Cassandra cap als anys setanta del passat segle, família aparentment modèlica, en realitat molt disfuncional, amb un fill que pateix bullying, una mare abnegada i tradicional i un marit una mica nazi, molt infidel, mad doctor vocacional. 

L'estètica vintage de la casa i els seus invents i algunes variacions en relació amb el tòpic fan la sèrie força addictiva, tot i que les múltiples derivacions de l'argument no sempre estan ben aprofitades i que el capítol final resulti massa deutor de clàssics del gènere com "Psicosis" o "El resplandor".

dijous, 13 de març del 2025

THE APPRENTICE

L'existència d'un individu com Donald Trump -i que sigui president dels Estats Units- és tot un misteri. El film d'Ali Abbasi, del 2024, relaciona les seves peculiaritats amb l'aprenentatge a què el títol fa referència, quan l'advocat Roy Cohn, un paio tan menyspreable i mancat d'escrúpols com eficaç en la seva feina, gairebé el va adoptar, substituint el paper d'un pare igualment menyspreable però estúpid, per convertir-lo en una mena de sòsia, un tauró despietat com ell, però en versió anglosaxona i heterosexual. 

Més que en el protagonista, que continua sent un misteri malgrat "The Apprentice" i malgrat la sorprenent interpretació de Sebastian Stan, l'interès del film, d'altra banda força entretingut, radica en aquest personatge, l'implacable i impenetrable advocat jueu, paladí del capitalisme més salvatge i víctima alhora. Com Frankenstein, va crear un monstre i, després, correm-hi tots.

diumenge, 9 de març del 2025

ANORA

Sean Baker és un realitzador indie especialitzat, segons sembla, en retratar ambients marginals (no conec la seva filmografia, tret de la mitja hora inicial de "The Florida Project", que no va aconseguir enganxar-me). 

Revaloritzat i descobert al gran públic gràcies als Òscars d'enguany, cal reconèixer que "Anora" tenia tots els trumfos. I no ho dic en sentit condescendent, ja que m'ha semblat una molt bona pel·lícula; i, encara més: d'aquelles que ja no es fan. I no tant pel parentiu del seu argument amb "Pretty Woman" i el conte de la Ventafocs, sinó perquè, partint d'un estil i una mirada molt actuals, acaba remetent a les screwball comedies (tota la passejada de la protagonista i els goril·les armenis, de Brooklyn a Manhattan) i les comèdies romàntiques agredolces que tan bé conreava Billy Wilder, salvant les distàncies perquè Baker no és Wilder, però no es pot negar que té una veu pròpia; no és tan subtil però també treu profit dels objectes i dels detalls malèvols (l'abric de pells, l'anell, l'avió comercial en classe turista), i no és tan àcid (o sí?). 

Wilder va fer una pel·lícula sobre una prostituta ("Irma la Dulce"). Anora (o Ani) també és una treballadora sexual; no té glamur i no és gaire espavilada, però, a part de dominar el seu ofici, és valenta i decidida, i, com una Cabiria qualsevol (amb qui compartiria innocència), sap com fer front als cops que et dóna la vida. "El apartamento" o "Las noches de Cabiria" tenen un final magnífic, però el d'"Anora", que no desvetllaré (*), amb la neu caient sobre Brooklyn, deu ser dels millors dels últims anys. Segur. 

(*) No veieu el tràiler si no heu vist la pel·lícula. Com acostuma a passar, és massa explícit.

dimarts, 4 de març del 2025

LA TAPADERA

Gene Hackman va intervenir en més de 100 pel·lícules, i és difícil triar-ne una per homenatjar-lo després de la seva mort (a una edat avançada però en circumstàncies més aviat misterioses). 

Repassant el bloc, constato que hem parlat d'ell en ocasió de títols com "Bonnie and Clyde", "La noche se mueve", "Agente doble en Berlín" (a les ordres d'Arthur Penn), "La conversación", "El jovencito Frankenstein", "Arde Mississippi", "El descenso de la muerte", "Bajo el fuego", "Marea roja", "Poder absoluto" o "Sin perdón". 

Potser el títol més obvi seria "The French Connection", però aquesta me la guardo per a quan la revisi (amb la seva seqüela, que també caldria revalorar), i, en canvi, citaré un títol en què Hackman no és protagonista però excel·leix en un paper secundari a la seva mida. 

Dirigida per Sidney Pollack el 1993, protagonitzada per Tom Cruise i Jeanne Tripplehorn, "La tapadera" inaugurava la moda de les adaptacions de John Grisham (en la mateixa dècada, trobarem "El informe pelícano", "El cliente", "Tiempo de matar", "Legítima defensa", "Conflicto de intereses" o "Cámara sellada", en què també apareixia Hackman), thrillers amb advocats entremig i notable sentit del suspens, més unes gotes d'acció i de denúncia. Pollack serveix el còctel amb la seva perícia habitual, ajudat per un guió molt hàbil en què va intervenir Robert Towne, i aconsegueix un títol entretingudíssim en què un jove lletrat té un dilema en descobrir que la màfia és el principal client d'un despatx tan endogàmic com mancat d'escrúpols. 

Gene Hackman és el seu mentor, i ofereix una composició mesurada i elegant d'un individu dur en aparença i molt fràgil en el fons, que podria haver estat bona persona, però ha claudicat i participa de la corrupció dels gàngsters que té per clients i també per caps. La dona de Cruise li para una trampa aprofitant-se de la seva debilitat i el deixa en una posició tan delicada com la del dolent d'"Encadenados", de Hitchcock, pel·lícula indubtablement superior però que conté elements similars: una societat secreta de la qual és difícil escapar, dilemes morals, traïcions, espionatge.

diumenge, 2 de març del 2025

LA LLUM QUE IMAGINEM

Mumbai (o Bombai) és una metròpoli de l'Índia de 15 milions d'habitants. Deu atreure molta població rural, i aquest és l'origen de les protagonistes de "La llum que imaginem" -film del 2024 de la directora Payal Kapadia-, dones que han deixat el camp per anar a treballar a la gran ciutat, on tenen feina (en un hospital, per exemple) i on poden viure... més o menys. Dues comparteixen un pis que endevinem minúscul; la tercera viu amenaçada per l'enderroc de casa seva a càrrec d'una de les puixants constructores que omplen de gratacels l'horitzó d'una ciutat que s'assembla a un formiguer gegantí, plena d'olors, de pluja, de colors i d'ombres, de celebracions multitudinàries i solituds quotidianes.

Kapadia retrata aquest univers a través d'una simfonia visual que recorda les avantguardes del cinema de fa cent anys, igualment ansioses de mostrar un món en transformació; però no es deixa arrossegar pel frenesí dels trens que recorren la metròpoli i es deté en els seus personatges, dones valentes que pateixen una societat fragmentada, la llunyania d'un marit desconegut que potser viu i treballa a Alemanya, la impossibilitat de tenir un espai per festejar amb un xicot musulmà. Finalment, un viatge a un poblet de la costa farà possible certa llibertat i que la llum dels estels substitueixi per uns instants la que prové dels gratacels de Mumbai. 

"La llum que imaginem" no és un títol exòtic, però és insòlit. Ningú no filma així, amb aquesta capacitat de retratar els sentiments i les sensacions, de crear imatges suggerents amb naturalitat. Si hem de buscar un referent, potser hauríem de restar al continent indi i pensar en Satyajit Ray (tot i que l'allargada ombra de Bergman apareix en l'escena entre la infermera i el pescador amnèsic). Però això tampoc no vol dir que el film de Payal Kapadia estigui passat de moda: és absolutament vigent i, alhora, intemporal, cinema en estat pur, màgia.

divendres, 28 de febrer del 2025

MISIÓN DE AUDACES

A "Misión de audaces" (1959), John Ford retroba la cavalleria ianqui, ara enfrontada no als indis sinó a l'exèrcit sudista, en un episodi de la Guerra de Secessió. 

Més enllà de la trama sobre una incursió en territori rebel, el film parla de la rivalitat entre un rude oficial (John Wayne) i el metge assignat al seu destacament (William Holden), i de l'ambigua relació entre els militars i una dama del Sud (Constance Towers), obligada a acompanyar-los. La mútua desconfiança entre tots ells es resoldrà a empentes, cops de puny i altres efusions, però prevaldran l'honorabilitat i el valor, fins i tot (i sobretot) en les circumstàncies més dramàtiques. 

Conté escenes inoblidables, com la desfilada dels alumnes d'una escola militar, nens a qui no espanten els soldats de la Unió, o la inevitable borratxera de Wayne, enfrontat als seus fantasmes sobre la barra d'un bar convertit en hospital de campanya.

dimecres, 26 de febrer del 2025

CLASS (Eren misògins els vuitanta? Qualsevol temps passat va ser millor?)

A "Class" (Lewis John Carlino, 1983), comparteixen habitació a la Universitat dos amics de caràcters ben diferents: Jonathan (Andrew McCarthy) és tímid i virginal; Skip (Rob Lowe) no és tan bon estudiant, però té molt a ensenyar en termes de seducció. 

Jonathan es revela un bon alumne i, en una sortida a Nova York, coneix una atractiva dona madura (Jacqueline Bisset) amb qui inicia una relació. Però resulta (ai!) que la senyora en qüestió és la mare insatisfeta i dipsòmana d'en Skip. 

"Class" seria una reedició d'"El graduado" amb la particularitat que la relació entre la dona madura i el jove no enfronta el segon amb la filla, de qui s'enamora, sinó amb el fill, amb qui manté una sòlida amistat. O potser és la pel·lícula fundacional del bratpack un manifest homosexual? Com sigui, el film es revela bastant misogin; si, inicialment, sembla que els guionistes volen dotar de relleu el personatge de la nova Miss Robinson, l'escueta conclusió en què s'explica que l'han internada en una clínica (mentre els dos amics recuperen la bona sintonia), no aparenta pietat cap a qui seria una víctima del masclisme i d'un marit clarament imbècil.
Retrobem Rob Lowe a "¿Qué pasó anoche?" (Edward Zwick, 1986), acompanyat de la Demi Moore, i d'Elisabeth Perkins i James Belushi, il·lustres secundaris en la dècada més incomprensiblement mitificada de la història. En aquest cas, es tracta d'una parella heterosexual que intenta tirar endavant una relació malgrat les inseguretats i certa immaduresa. També aquí, però, els amics respectius faran el possible per dinamitar la història d'amor, clarament moguts per la gelosia. Prudentment, el guió (basat en una obra de David Mamet) no deixa clar si acabaran o no embolicats ells mateixos.
"Nueve semanas y media", dirigida per Adrian Lyne i estrenada el mateix any, volia mostrar una relació menys convencional, entre una galerista de Nova York (Kim Basinger) i un yuppie amb l'aspecte de Mickey Rourke. Algunes notes de sadomasoquisme light i una estranya afició a fer l'amor en carrerons humits no convertien el film del realitzador britànic en una proposta tan trencadora com semblava pretendre. Bertolucci havia explicat el mateix molt millor catorze anys abans. 

Però els setanta estan molt oblidats en la ultraconservadora societat contemporània, i sentim nostàlgia pels vuitanta perquè érem més joves, però van ser els anys en què manaven Reagan i Wall Street i hom retornava als valors tradicionals després de la disbauxa hippie; tot això, amb permís de la movida, avui també bastant superada. L'única revolució dels vuitanta van ser uns pentinats impossibles que ens fan envermellir quan mirem fotos antigues.
Algú ha tingut la idea de recuperar l'esperit de "Nueve semanas y media" i, per no ser acusat de misogínia, la protagonista femenina (la senyora que abans va ser Nicole Kidman) és una dona empoderada, que s'arrisca a una acusació d'assetjament sexual a la feina quan un becari molt eixerit li proposa una relació sadomasoquista (si entenem per sadomasoquista que la faci posar a quatre potes a beure llet en un bol). 

"Babygirl" (Halina Reijn, 2024) ha aconseguit fer veure que parla de tot sense, realment, dir res, i també cert prestigi crític, la qual cosa em resulta encara més sorprenent. I mira que hi vaig posar ganes perquè jo, malgrat tot, també enyoro el cinema comercial dels vuitanta, quan no tot eren superherois i els thrillers eren foscos i sexis.

diumenge, 23 de febrer del 2025

MIA MADRE

"Mia madre", dirigida el 2015 per Nanni Moretti, s'assembla tant a "El sol del futuro" que ens provoca una certa sensació de cansament, si més no en els primers compassos d'una pel·lícula en què Margherita Buy (esposa del protagonista en la darrera, exerceix ara de germana del personatge interpretat per Moretti) fa de directora de cinema que s'enfronta al rodatge d'un film sobre la lluita obrera mentre ha de bregar amb una estrella en decadència (John Turturro) i amb una situació familiar crítica per la malaltia de la mare a què el títol fa referència. 

Sí, Moretti fa sempre la mateixa pel·lícula (o quasi). Però la subtilesa en els detalls marca la diferència; i, per apreciar el valor de "Mia madre", caldrà que fem com la protagonista, que ens situem "al costat del personatge" i que modifiquem la nostra mirada. Hi ha una escena clau en què la directora es queixa del càsting perquè els extres no semblen obrers; però és que -li duen- ara els treballadors són així, gent jove amb cura del seu aspecte físic. 

La protagonista, com a bona directora de cinema, vol controlar-ho tot. Però no es pot, en el cinema ni en la vida. El personatge de Turturro, una mica caricaturesc en l'inici, es revela una bona persona que viu amb la por de perdre la memòria, com li va passar al seu pare. Els pares -i les mares- perdran el seny amb l'edat i ens quedarem sols en aquesta vall de llàgrimes, però tant ells com tots nosaltres deixarem una empremta que pot ser inesborrable. 

Vaja, que, al final, sí que m'ha agradat la pel·lícula.

diumenge, 16 de febrer del 2025

LA ESTRELLA AZUL

Del Goya a la millor actriu revelació passem a la versió masculina del guardó, que va ser per a Pepe Lorente, protagonista de "La estrella azul" (Javier Macipe, 2023). 

Ens ha fet pensar en "Segundo premio". Les dues es basen en grups de rock espanyols de la dècada dels noranta, amb problemes amb les drogues i crisis existencials; les dues són propostes innovadores. Aquesta, trenca la quarta paret per narrar la trista peró commovedora història de Mauricio Aznar, rocker de Saragossa, líder de Más Birras, que viatja a Argentina inspirat per la música d'Atahualpa Yupanqui i descobreix que una altra manera d'entendre la vida i la mort és possible; o potser hauríem de dir que ENTÉN la vida i la mort. La seva música, Javier Macipe i el premiat protagonista l'han fet immortal.

Acabem aquesta secció post-Goya per parlar d'un altre actor revelació en un film basat en una història real. Urko Olazabal protagonitza, amb la catalana Mireia Oriol, "Soy Nevenka", darrera producció d'Icíar Bollaín, molt en la seva línia, que detalla el cas de la regidora del PP de Ponferrada (Lleó) que va denunciar l'alcalde -del seu partit- per assetjament sexual. Com a "La estrella azul", som al 2000, i llavors no es parlava encara del #MeToo; Nevenka va ser valenta, sens dubte, i, a més del seu agressor, va haver d'enfrontar-se a una societat i a un fiscal tan masclistes com el batlle, detestable i caciquil, de qui Olazabal fa una gran representació, tot i que temo que no assoleix el grau de fàstic de l'original.

divendres, 14 de febrer del 2025

SALVE MARÍA

"Salve María" (2024) és una mirada diferent al tema de la maternitat. Una depressió postpart que deriva en una obsessió malaltissa davant l'exemple sens dubte radical d'una mare que ha ofegat els seus fills a la banyera. 

El darrer títol de la Mar Coll es mou entre el realisme més despullat i el film fantàstic en què sembla voler convertir-se. Potser una mica reiteratiu, però, en qualsevol cas, molt ben interpretat per la desconeguda Laura Weissmahr, Goya merescudíssim a l'actriu revelació de l'any.

dimarts, 11 de febrer del 2025

EL TORMENTO Y EL ÉXTASIS

Les escenes de "The Brutalist" a les pedreres de Carrara o la difícil relació entre un artista i el seu mecenes, ens porten a la memòria "El tormento y el éxtasis", film dirigit per Carol Reed el 1965. L'artista -ara sí, real- era el gran Miquel Àngel Buonarroti, un escultor genial a qui el Papa Juli II va encarregar no una estàtua sinó la pintura d'uns frescos al sostre de la Capella Sixtina. El florentí, després dels dubtes inicials, va emprendre l'encàrrec amb notable devoció i esforç, aconseguint el resultat que tots coneixem, després d'anys de treball en condicions duríssimes i posant a prova la paciència d'un Papa més aficionat a fer guerres que a dir missa, irascible, però, tanmateix, conscient del talent enorme del seu protegit. 

Carol Reed aporta els enquadraments picats i contrapicats pertinents en un film sobre algú que treballa a molts metres d'alçada, potser aprofitant l'experiència de "Trapecio" (1956). No va gaire més enllà l'espectacularitat d'un film que pretén ser, sobretot, didàctic (comença com un documental sobre l'obra de l'artista), tot i que falseja alguns aspectes de la vida de Miquel Àngel: hi ha una dona que l'estima, però ell està casat amb el seu ofici; això, segons un llibret que omet qualsevol referència a l'homosexualitat de l'artista. 

A canvi, conté diàlegs plens d'enginy servits per dos intèrprets entregats: el gran Rex Harrison fent de Juli II i un Charlton Heston apol·lini en el paper de Miquel Àngel.